Historia del dibujo

 Desde los inicios de la humanidad, el ser humano ha tenido la necesidad de plasmar todo lo que le rodeaba, su naturaleza, su manera de vivir, entre otros. Ellos encontraron en el dibujo esa especie de lenguaje universal que les sirvió para inmortalizar sus testimonios en relatos gráficos que, hasta la fecha, nos han dado conocimiento de cómo eran estas personas y cuáles fueron las creencias más importantes en sus vidas.

Los primeros dibujos se remonta en el Paleolítico Superior, aproximadamente hace 35,000 años, cuando el Homo Sapiens plasmaba sobre las piedras o paredes rocosas de las cuevas o sobre la piel de animales que cazaban. En el mundo han encontrado estas pinturas rupestres, que hoy es símbolo del arte desde los inicios de la humanidad.

Se puede considerar que el dibujo es el origen de todas las artes. A través de los años, pasó de ser un importante recurso de comunicación, a ser considerado y valorado también como un arte en el que se han producido gran cantidad de obras a lo largo del mundo, cada una de ellas con características particulares y con un estilo único que fue mejorando conforme el hombre evolucionaba.

Reconocemos la importancia del dibujo en la historia del ser humano, por eso te contaremos cuál es el origen del dibujo, dónde surgió, cómo se ha ido manifestando este arte a través de cada etapa y cultura y también cómo se ve reflejado hoy en día, sumado a los particulares cambios que se fueron introduciendo gracias a sus técnicas.

El origen artístico del hombre es casi tan antiguo como la humanidad, pues siempre el hombre buscó expresarse. En un papel instrumental y subordinado, se desarrolló junto con las otras artes en la antigüedad y la Edad Media. Ya fueran bocetos preliminares para mosaicos y murales, o dibujos y diseños arquitectónicos para estatuas y relieves, dentro de la variada producción artística de los edificios góticos medievales y los talleres artístico de la época, el dibujo como habilidad auxiliar no autónoma estaba subordinado a las otras artes. Limitadamente se puede hablar de centros de dibujo en la Alta Edad Media; es decir, los scriptorium de los monasterios de Corbie y Reims en Francia, así como los de Canterbury y Winchester en Inglaterra, y también algunos lugares en el sur de Alemania, donde se cultivaron varios estilos de iluminación de libros fuertemente delineatorios (ilustrados gráficamente).

En Occidente, la historia del dibujo como documento artístico independiente se inició a finales del siglo XIV. Sin embargo, si su desarrollo fue independiente, no fue insular, es decir los dibujantes no solo se dedicaban a ello. Los más grandes dibujantes han sido en su mayor parte también pintores, ilustradores, escultores o arquitectos distinguidos, así los centros y los momentos culminantes del dibujo han coincidido generalmente con las localidades principales y las épocas principales de las otras artes. Es importante conocer que en el dibujo se han expresado los mismos fenómenos estilísticos que en otras formas de arte. De hecho, el dibujo comparte con otras formas de arte las características del estilo individual, el estilo de época y las características regionales. Lo que diferencia al dibujo de otras expresiones es su individualidad y forma de representar utilizando sus propios medios únicos.

2. Los primeros dibujos

Por muchos años se atribuyó el origen de los primeros dibujos al Paleolítico Superior, aproximadamente hace 35,000 años, cuando el Homo Sapiens plasmaba sus registros sobre las piedras o paredes rocosas de las cuevas o sobre la piel de los animales que cazaban. Pero recientemente, un grupo de arqueólogos hizo un hallazgo importante. En una cueva de Blombos en Sudáfrica, se encontró lo que se considera el primer dibujo de la humanidad. Esta pieza de roca silícea tiene una extraña inscripción de líneas cruzadas hechas con ocre. Su antigüedad data de hace 73.000 años, lo que significa que es 38.000 años más antigua que los otros ejemplares de dibujo que se habían encontrado hasta la fecha.

Entre los otros primeros registros de dibujos en la antigüedad, uno de los más conocidos y estudiados es el que se encontró en la Cueva de Altamira en España, descubierta en el año 1875 y cuya existencia data de hace unos 35.600 años aproximadamente. Este lugar es un enorme vestigio de pinturas rupestres, en colores rojo y negro, plasmadas en el techo y paredes. La mayoría de los dibujos representan escenas cotidianas de hombres junto a animales como ciervos, bisontes y caballos. También se aprecian dibujos de manos y algunos símbolos abstractos.

3. El Arte y el Dibujo: El dibujo es el padre de todas las bellas artes

Hasta entonces, el dibujo era considerado una herramienta narrativa muy funcional, pero durante el renacimiento, el dibujo empieza a ser tratado como un arte en sí mismo. Como dijo Giorgio Vasari, famoso pintor italiano e historiador de arte, desde el renacimiento se sostiene que “el dibujo es el padre de todas las bellas artes”, afirmación que tiene fuerza considerando que toda expresión artística, ya sea la pintura, escultura, música, danza, literatura y cine, empiezan con un dibujo, boceto, esquema o como desee describirlo para luego transformase en el arte en sí.

3.1. Pintura

La pintura es una expresión de ideas y emociones, creadas a partir de un dibujo, con determinadas cualidades estéticas, con un lenguaje visual bidimensional. Los elementos de este lenguaje —sus formas, líneas, colores, tonos y texturas— se utilizan de diversas formas para producir sensaciones de volumen, espacio, movimiento y luz en una superficie plana. Estos elementos se combinan en patrones expresivos para representar fenómenos reales o sobrenaturales, interpretar un tema narrativo o crear relaciones visuales totalmente abstractas.

El artista puede utilizar un medio en particular, como témpera, fresco, óleo, acrílico, acuarela u otras pinturas a base de agua, tinta, gouache, encáustica o caseína, así como la elección de una forma particular, como mural, caballete, panel, miniatura, iluminación manuscrita, pergamino, pantalla o abanico, panorama o cualquiera de una variedad de formas o plataforma modernas, tales como un sitio web, redes sociales, aplicaciones, entre otros.

3.2. Escultura

La escultura es una forma artística en la que materiales duros o plásticos se transforman en objetos de arte tridimensionales. Los diseños pueden plasmarse, partiendo desde un boceto o dibujo en objetos independientes, en relieves en superficies o en entornos que van desde cuadros hasta contextos que envuelven al espectador. Se puede utilizar una enorme variedad de medios, que incluyen arcilla, cera, piedra, metal, tela, vidrio, madera, yeso, caucho y objetos «encontrados» al azar. Los materiales pueden ser tallados, modelados, moldeados, fundidos, forjados, soldados, cosidos, ensamblados o moldeados y combinados de otra manera.

3.3. Música

La Música es el arte relacionado con la combinación de sonidos vocales o instrumentales para la belleza de la forma o expresión emocional, el dibujo ayudó mucho en el crecimiento de este arte, tanto en la creación de sus instrumentos como la composición de las obras, pues generalmente componer requiere de un trabajo mental que se debe registrar, el cual se imaginaban mediante bocetos o dibujos, obviamente, esto sucedió mucho antes de lo que hoy conocemos como partituras. Dichas composiciones iban de acuerdo con los estándares culturales de ritmo, melodía y, en la mayoría de la música occidental, armonía. Tanto la canción popular simple como la composición electrónica compleja pertenecen a la misma actividad artística, la música. Ambas acciones, el dibujo y la música fueron diseñados por humanos; ambos son conceptuales, pero la música es auditiva, y este factor siempre ha estado presentes en la música de todos los estilos y en todos los períodos de la historia, en todo el mundo.

3.4. Danza

La Danza como arte, es el movimiento del cuerpo de forma rítmica, generalmente con música y dentro de un espacio determinado, con el propósito de expresar una idea o emoción, liberar energía o simplemente deleitarse con el movimiento en sí. El dibujo en la danza forma parte estructural y explicativo, pues más allá de poder hacer los movimientos con el cuerpo, se necesita idealizar el movimiento para poder llevar la danza a un nivel de perfección único, el cual solo con un dibujo o boceto se podría explicar o imaginar.

3.5. Literatura

La literatura como expresión de arte, se ha aplicado tradicionalmente a aquellas obras imaginativas de poesía y prosa que se distinguen por las intenciones de sus autores y la excelencia estética percibida de su ejecución. La literatura puede clasificarse según una variedad de sistemas, incluido el idioma, el origen nacional, el período histórico, el género y el tema. El dibujo ayudó a que estas obras tuviesen un entendimiento específico, pues el autor puede ser más explicativo si acompaña su prosa con una ilustración que represente el sentimiento o significado que desea comunicar. 

 3.6.Cine

En los años previos a la Primera Guerra Mundial, pocas personas pensaban que el cine era o podría convertirse en una forma de arte, esto empezó aproximadamente 1910, sin embargo, surgieron indicios de que el cine estaba en camino de adquirir algún tipo de legitimidad como expresión artística, pero la fusión de muchas artes, entre ellas el dibujo, permitieron que se convertirían en el cine tal como lo conocemos hoy. «El cine como forma de arte» considerando cómo se ha desarrollado este arte a través de la evolución, tanto las técnicas de edición y narrativa y la sincronización del sonido, y luego analiza los diferentes tipos de géneros cinematográficos, el movimiento neorrealista y las diversas variedades del cine moderno que hoy existen. ¿Qué hubiera sido de la Guerra de las Galaxias sin los bocetos que hizo George Lucas para poder explicar cómo serían las escenas? Lo ve, imposible de imaginar el cine sin el dibujo, ya sea a mano alzada o digitalizado.

4. La era Egipcia y los dibujos en los jeroglíficos

La cultura egipcia también supo reconocer el dibujo como una expresión de arte. Habían pasado miles de años para que el dibujo revolucione en esta parte del mundo. Pasaron una composición de un elemento, a dibujos más complejos, que tenían muchos detalles y donde el color resaltaba cada representación teológica de templos y santuarios. Además, detallaban la figura de los dioses como una manera de agradecer el esplendor del imperio egipcio.

La técnica de dibujo en Egipto consistía en el uso de pigmentos naturales que extraían de tierras de diferentes colores. Con ellas elaboraban una pasta de color que les servía para aplicar en las superficies deseadas. Eran principalmente usados para la decoración de sus edificaciones y también para realizar ilustraciones en papiro y utensilios.

Debido a la majestuosidad y elegancia de sus obras, se podría considerar que el trabajo de dibujo ejecutado por los egipcios, es el punto de partida para el desarrollo de otras técnicas artísticas como la pintura, la escultura, las artes decorativas y la arquitectura.

Uno de los registros gráficos más antiguos de esta cultura, tiene una antigüedad de cinco mil años y fue hallado en una zona cercana al Cairo. Es una roca tallada en la que se distingue una serie de jeroglíficos sobre una celebración de barcas dirigida por un faraón. En estos dibujos, el personaje central lleva una corona y es escoltado por un grupo de personas e incluso es seguido por un perro.

5. La cultura griega y el dibujo 

Los griegos fueron los máximos representantes del dibujo, pues se preocupaban por tener la máxima expresión perfecta del ser humano, que la despoje de toda connotación sobrenatural, para centrarse y obtener armonía en sus obras. La mayoría de sus dibujos quedaron plasmados en murales, en cerámica, lienzos y tablas.

De estos se destaca el dibujo realizado en cerámicas. El dibujante griego se encargaba de elaborar los mas finos gráficos. Sus diseños partieron de formas geométricas elementales hasta desarrollar una mayor precisión en el dibujo de figuras humanas y animales. Tal fue la belleza de estos trabajos, que fueron destinados a la comercialización, convirtiéndose en un negocio muy productivo en aquella época.

Su estilo se centraba en los detalles y en la expresión de los rasgos humanos. En los primeros períodos dibujaban a dioses y héroes, y también se ilustraban grandes escenas de guerra y representaciones de la vida cotidiana. Los colores predominantes eran el rojo, amarillo, negro, blanco, verde, azul, púrpura y marrón. La técnica griega enfatiza las líneas y curvas, hasta que más adelante van perfeccionando sus trazos para lograr dibujos con mayor realismo y énfasis en las formas.

6. Edad Media y los dibujos religiosos (S.VIII- S.XV)

Durante esta etapa, entre el s.VIII y s.XV, predominan las representaciones vivaces, donde los dibujos son trazos que resaltan el detalle. En los primeros años, su función principal fue difundir la religión y exaltar a Dios, por ello el dibujo fue muy usado para la ilustración de libros religiosos producidos por monjes, quienes tenían exclusividad en el uso de los insumos para dibujar.

Los primeros materiales usados para los dibujos eran los pergaminos de piel de animal o las tablas. Posteriormente, con la invasión árabe se introdujo una revolución en el dibujo y la pintura, pues se crea el papel. Con esta invención china, se facilita que la ilustración deje de ser una actividad exclusiva para los monjes, y se vuelve más accesible para todos. Desde ese momento, ya se manifiesta el dibujo a color.

Es posible diferenciar dos estilos de dibujo en la edad media: un grupo de dibujos que consistían en la elaboración de pinturas en miniatura adornadas con oro, destinados a la realeza. Por otro lado, un grupo de obras más sencillas, que estaban decoradas con dibujos realizados con pluma y tinta, destinadas a las personas menos ricas.

6.2. ¿Cuándo el dibujo se Transforma en Arte Independiente?

El dibujo se transforma en arte independiente en el norte de Italia, claro que al principio dentro del marco de la actividad ordinaria de un estudio, siendo una prioridad el estudio de la naturaleza como tal, como quedó registrado en copias de antigüedades y borradores en los distintos cuadernos de dibujo (los de Giovannino de’Grassi, Antonio Pisanello y Jacopo Bellini, por ejemplo). Quizás lo más representativo de este momento se encuentra en el taller de Bauhütten, donde se cambió al trabajo individual: conocido como el lugar de «exempla», pues los modelos, reproducidos de manera formalizada, ahora estaban siendo tomados por dibujos subjetivos y parcialmente creativos. A principios del siglo XV, el estilo de la época todavía predominaba en gran medida sobre la «caligrafía» individual del dibujante. A mediados de siglo, sin embargo, se establece la diferenciación del estilo de dibujo según la región y la personalidad del artista. Los criterios esenciales, destinados a seguir siendo característicos durante generaciones, comienzan a llamar la atención.

En los dibujos realizados al norte de los Alpes, los rasgos característicos residen en la tendencia a la compacidad pictórica y la ejecución precisa de los detalles. Muchos pintores produjeron dibujos individuales, pero los dibujantes más notables son el maestro alemán del Housebook del siglo XV, no identificado, y su contemporáneo Martin Schongauer. Ambos artistas fueron también importantes grabadores de placas de cobre, por lo que no siempre es fácil determinar si la obra es un boceto preliminar o un dibujo independiente.

7. El Renacimiento y el dibujo

En los dibujos del Renacimiento italiano, de los que abundan, las características estilísticas divergentes de las diversas regiones artísticas fueron particularmente evidentes. Lo que tenían en común era la importancia abrumadora del boceto y el estudio, en contraste con los dibujos terminados mucho más raros. La conexión formal y temática con la pintura es muy estrecha incluso cuando no se trata de dibujos preliminares. Los dibujantes de Venecia y del norte de Italia prefirieron una forma abierta con delineación suelta e interrumpida para lograr incluso en el dibujo el efecto pictórico que correspondía a la imaginación de sus pintores.

En el centro de Italia, en cambio, y sobre todo en Florencia, predominaba el contorno claro, la forma cerrada y firmemente circunscrita, el carácter estático y plástico. En correspondencia con el propósito funcional del dibujo, los estudios de los artistas individuales (que, como fue el caso de la Academia de San Marcos de los Médicis, también tuvieron que dedicarse a investigaciones educativas y humanísticas generales) formaron los centros más importantes del dibujo artístico.

En estos grandes estudios, el dibujo no solo sirvió para la realización inquisitiva de ideas creativas. Tampoco, estuvo ligado solo al estudio y mediador entre la concepción y el trabajo terminado del maestro; sino funcionó como material didáctico para los asistentes que trabajaban con el maestro y como vehículo para la formación y conservación de una tradición de taller individual. Aunque los intereses científicos de Leonardo Da Vince se expresaron en un gran número de dibujos, su concepto ideal de la figura humana se conserva con mucha más frecuencia en los dibujos de sus colaboradores y sucesores que en los suyos propios. Rafael y Miguel Ángel también fueron dibujantes destacados. Cada uno de ellos utilizó el dibujo para dejar madurar sus pensamientos sobre las obras individuales; cada uno tenía un estilo de dibujo muy personal, uno de trazo suave y redondeado, el otro de trazo intermitente y poderoso de escultor.

Probablemente se hizo mucho dibujo en el estudio de Raphael, especialmente aunque solo sea para la preparación de los grabados según las composiciones de Raphael. De la mano de Miguel Ángel surgieron los primeros dibujos de los llamados conocedores que se estiman como un documento personal. Son los precursores de los dibujos de coleccionista que se iniciaron a finales del siglo XVI (obras autónomas, destinadas a colecciones).

Al norte de los Alpes, la autonomía del dibujo fue defendida en primera instancia por Alberto Durero, un dibujante infatigable que dominó todas las técnicas y ejerció una influencia duradera y generalizada. El constituyente delineatorio predomina claramente incluso en sus pinturas. Esto corresponde al carácter estilístico general del arte alemán del siglo XVI, dentro del cual Matthias Grünewald, con su estilo de dibujo más libre, más amplio y por lo tanto más pictórico, y los pintores de la escuela del Danubio, con su trazo ornamental y agitado, representan una significativa excepción. En su metamorfosis de la realidad percibida en dibujos, los paisajes de Albrecht Altdorfer y Wolf Huber son documentos asombrosos de un sentimiento por la naturaleza que casi podría llamarse romántico.

Soberer, increíblemente compacto en su concepto pictórico y, sin embargo, similar al Renacimiento en su visión objetiva, fueron los dibujos de retratos de Hans Holbein, el Joven, cuyas estancias en la Inglaterra del siglo XVI resultaron estimulantes también para otros artistas. Similares, aunque menos personales que Holbein debido a la linealidad más estricta de su trabajo, fueron los dibujos de los retratistas franceses Jean y François Clouet. En los Países Bajos, donde se combinaron con la imagen idealizada de Italia (como en los dibujos de Lucas van Leyden), los métodos de Durero ganaron popularidad duradera en los dibujos y estudios de paisajes «después de la vida» de Pieter Bruegel el Viejo.

A partir del siglo XIX, se difunden nuevos estilos como el romanticismo, el realismo, el impresionismo, el cubismo, el surrealismo, entre otros. Estos estilos del arte, en especial, del dibujo, han aportado algunas técnicas para expresar nuevos enfoques de la sociedad en la que vivían e incluso nos ayudan a expresar cómo se está viviendo ahora.

8. La era moderna y el dibujo

Desde los inicios de la humanidad hasta la edad media, el dibujo ha ido evolucionando, pero ya en inicios del Renacimiento, y con las nuevas técnicas de Leonardo Da Vinci, el dibujo otra perspectiva, y ya es más especializada. Ahora, existen dos tipos de dibujo, el artístico y el técnico. El primero clasificaba los dibujos para expresar ideas estéticas, filósofas y abstractas. El segundo es para representar la tipografía, la arquitectura, edificios, entre otros. Además, las técnicas hacían uso de medios tradicionales como la tinta, el grafito, el carbón, el lápiz de color, acuarela, etc.

Ahora, el dibujo ya no sólo se dibuja en hojas de papel, o lienzos, sino que se convierte en dibujos digitales, es decir, puede ser plasmados en los dispositivos digitales como computadoras. El primer pintor neoimpresionista fue Seurat, quien creó una nueva técnica, que sería a lo que conocemos como píxeles. Él hizo que el color sea más definido en la era digital.

En la década de los 90’s, estos dibujos podían editarse en dispositivos o aparatos digitales, e incluso se podía imprimir miles de copias. Desde la fecha, ya se puede conocer la ilustración y el dibujo digital. Además, conocemos las animaciones 3D, que pueden ser editados en diferentes programas de diseño. Las técnicas de las que hacen uso en esta etapa moderna, dependen mucho de la particularidad del artista y la corriente a la que pertenece. A inicios del siglo XX surgen los movimientos de las vanguardias y cada una de ellas impone una ruptura con el movimiento anterior, renovando el estilo del arte mediante nuevas formas de expresión y puntos de vista: 

Los movimientos más importantes son:

8.1. El Futurismo:

Es el movimiento italiano que surge el 20 de febrero de 1909, en la publicación del Manifiesto futurista, escrito por el poeta Filippo Tommaso Marinetti. Nace como un movimiento literario, pero luego se expande a las diversas artes, entre ellas el dibujo. Como su nombre lo dice, el futurismo es el ‘movimiento orientado hacia el futuro’. Hay un intento por expresar los valores y experiencias de la era de la máquina como son la velocidad, energía y fuerza. Por ello sus dibujos rompen con la tradición estética al enfocarse en la mecánica y el funcionamiento técnico de los objetos. El elemento protagónico fue el tiempo y la exaltación de la velocidad como Belleza.

Algunos artistas de este movimiento son: Giacomo Balla, pintor y escultor italiano; Umberto Boccioni, pintor y escultor italiano; Carlo Carrà, pintor, Gino Severini, pintor francés, Luigi Russolo pintor y compositor italiano y Antonio Sant’Elia, arquitecto italiano, Escritor del Manifiesto de la arquitectura futurista.

8.2. El Cubismo:

Fue el primer movimiento artístico de vanguardia del siglo XX. Se le considera precursor de la abstracción y de la subjetividad artística en su sentido contemporáneo. Este movimiento establece, por primera vez en la historia, una auténtica ruptura con el arte occidental que se basaba en la imitación de la naturaleza y en la idea de belleza. Mientras que el cubismo consiste en la representación de la realidad mediante el empleo dominante de elementos geométricos, resultados del análisis y la síntesis. Los objetos se representan como han sido concebidos por la mente, que los deconstruye en sus formas geométricas esenciales, orientando la atención al lenguaje plástico, la observación y el análisis.

Algunos artistas de este movimiento son: Pablo Picasso, famoso pintor italiano; Juan Gris, pintor e ilustrador español; André Derain, Pintor, ilustrador y escenógrafo francés; Albert Gleizes; Fernand Léger y Georges Braque, todos ellos importantes pintores franceses del siglo XX.

8.3. El Expresionismo:

Fue un movimiento artístico, cinematográfico, musical y literario. Inició como estilo pictórico en Alemania a inicios del siglo XX, luego se expandió a otras disciplinas hasta alcanzar su auge entre 1905 y 1933. A diferencia de las “vanguardias históricas”, el expresionismo no tuvo un estilo unificado, sino un espíritu crítico frente al nuevo orden occidental. El desengaño y la crítica de la época provocaron que el expresionismo pusiera énfasis en la percepción pesimista de la vida y el individuo contemporáneo, el rechazo a la composición premeditada y el cuestionamiento de la belleza escultural. Por ello producen piezas que ensalzan los rasgos y emociones humanas para impresionar al público.

Algunos artistas de este movimiento son: Edvard Munch, pintor noruego; James Ensor pintor nacido en Bélgica; Emil Nolde, pintor alemán; Ernst Barlach, escultor alemán; Fritz Lang, cineasta nacido en Austria; Ernst Krenek músico austriaco; Ígor Stravinski músico ruso y Georg Heym, escritor alemán.

8.4. El Surrealismo:

Surge en París, en el año 1924, cuando André Breton escritor y poeta francés, escribió un manifiesto después de enemistarse con Tristan Tzara, líder del movimiento dadaísta. El Surrealismo es considerado la última de las grandes vanguardias. Este movimiento pretendía superar la limitación del inconsciente, permitiendo que el subconsciente se exprese a través del arte, por lo cual, algunos artistas llegaron a elaborar obras en estados de trance e hipnosis, su objetivo era representar nuevos mundos posibles de manera original y disruptiva. Usaron la técnica del frottage, que consistía en pasar un lápiz sobre una superficie rugosa, dando formas y texturas en el soporte para crear una obra nueva.

Algunos artistas de este movimiento son: Max Ernst pintor y poeta nacido en Alemania; René Magritte pintor nacido en Bélgica; Salvador Dalí, famoso pintor, escultor, grabador, escenógrafo y escritor español y Joan Miró, uno de los influyentes artistas españoles, fue pintor, escultor, diseñador, ceramista. 

9. El arte digital

En la era contemporánea, el dibujo ya no sólo se plasma en hojas de papel, o lienzos, ni se realiza sólo con lápices y grafitos sino que se convierte en dibujos digitales, es decir, puede ser plasmados en los dispositivos digitales como computadoras. El primer pintor neoimpresionista fue Seurat, quien en el siglo XIX creó una nueva técnica, que sería a lo que conocemos como píxeles. Él hizo que el color sea más definido en la era digital.

Desde la década de los 90 ‘s, estos dibujos pueden ser editados en dispositivos o aparatos digitales, e incluso se pueden imprimir miles de copias. Las técnicas que sobresalen son la ilustración y el dibujo digital, además de las animaciones 3D. Todos estos proyectos pueden ser editados en diferentes programas de diseño como Adobe Photoshop, Adobe Illustrator, Indesing, Corel Draw, entre otros. Solo basta ver un tutorial o haber tomado un curso de diseño digital.

Gracias a estos métodos y programas es posible realizar correcciones y mejoras constantes de los dibujos, algo que resultaba imposible en las obras tradicionales. También permiten la exploración de miles de técnicas y efectos que hacen que el proceso creativo de trabajo sea siempre único. Otro gran beneficio es que puede agilizarse el tiempo de trabajo, generando veloces resultados que pueden ser apreciados masivamente. Este factor de tiempo ha hecho que profesionales consideren llevar como parte de la formación en marketing digital, curso de diseño para la gestión de contenido en redes sociales, y así poder ser un experto community manager o especialista en marketing digital en general.

10. Elementos básicos del dibujo

Realizar un dibujo es todo un trabajo completo que requiere de ciertas nociones básicas y elementos que deben tenerse en cuenta para poder representar las figuras y formas deseadas. Los elementos del dibujo son:

10.1. Línea y punto:

Son los elementos principales para dar vida a los dibujos. El punto es el elemento más sencillo y la línea está conformada por una sucesión de puntos, puede ser recta o curva. De ambos, parte toda imagen. Pueden elaborarse con cualquier herramienta como lápiz, pincel, crayon, plumón, lápiz digital y otros.

10.2. Forma:

En su creación influyen las líneas y puntos ya que con ellos se pueden configurar toda clase de formas, entendidos también como contornos, superficies, planos. Existen cuatro grandes tipos de forma que se clasifican en grupos: regulares e irregulares y artificiales y naturales.

10.3. Luz y sombra:

Son elementos utilizados para crear profundidad y agregar dimensión al dibujo. Para que un dibujo parezca “realista” se necesita sombra porque en el mundo real todo tiene una sombra, al agregarlo suma un poco de perspectiva al dibujo porque la sombra indica que algo está delante y/o detrás del objeto que causaría una sombra.

10.4. Volumen:

Haciendo uso de las diversas formas de línea se crean volúmenes y se construyen espacios. El volumen permite nombrar el espacio que ocupa un objeto en el espacio. Comprende las dimensiones y magnitudes físicas de largo, ancho y alto en los objetos del dibujo.

10.5. Proporción:

Este elemento se refiere al tamaño de un objeto de la imagen en relación con el tamaño de otro objeto de la imagen. Si una proporción es incorrecta en un dibujo “no se ve bien”, pierde realismo ya que los juzgamos según lo que se conoce de ellos en particular. También ayuda a darle equilibrio a los dibujos.

10.6. Perspectiva:

Sirve para generar la ilusión o efectos de que las cosas más lejanas parecen más pequeñas y los objetos cercanos más grandes. Para hacer que algo parezca estar más alejado del espectador que el plano de la imagen debe ser dibujado más pequeño que el objeto que está más cerca del plano de la imagen.

10.7. Textura:

Es parte de las características de cada superficie real, cuando la podemos tocar o sugerida, cuando la podemos imaginar. Las texturas son: lisas, blandas, rugosas, duras, ásperas, entre otras. Le agregan una sensación de realismo a los dibujos a partir de diversos tipos de trazos.

10.8. Color:

Es un componente importante que puede o no estar presente, según las formas y objetivos del dibujo. Este es uno de los elementos más importantes de las artes plásticas y visuales. Su aplicación puede cambiar radicalmente la perspectiva de un dibujo, influyendo en la psicología del observador.

11. Clasificación de los dibujos

Como te mencionamos antes, desde la edad moderna se dio un proceso de profesionalización del dibujo en el que empezaron a distinguirse distintos tipos. Según cuales son los objetivos de lo que se intenta representar o enfocar, el dibujo puede ser clasificado en los siguientes:

11.1. Dibujo artístico.

Los dibujos artísticos son usados para expresar ideas estéticas, filosóficas y abstractas. Mediante este tipo de dibujo, es posible representar las formas y el volumen de los objetos y personas según la mirada del artista que los realiza. Los dibujos pueden ser completamente realistas como los retratos, o también pueden representar ciertas figuras imaginarias como las caricaturas.

11.2. Dibujo técnico:

Los dibujos técnicos se destinan a representar diversos objetos que ayuden a facilitar información muy descriptiva sobre su diseño y que resulten útil para su materialización. Parte de ellos son los dibujos utilizados en la topografía, la arquitectura, edificios, entre otros. Estos dibujos suelen realizarse en planos u otros soportes que permitan tener un cálculo preciso de sus dimensiones. Para ello se recurre a conocimientos sobre cálculos, proyecciones y perspectiva.

11.3. Dibujo geométrico:

Con este tipo de dibujo es posible realizar trabajos que requieren total precisión y conocimiento en el uso de reglas para graficar objetos. El dibujo exige gran exactitud y por ello recurre a conceptos de la geometría y el uso de la regla y el compás, que son importantes herramientas usadas para elaborar proyectos requeridos en arquitectura, ingeniería, diseño, entre otros.

11.4. Dibujo mecánico:

El objetivo de este dibujo es representar a los elementos que son parte de una máquina o de algunos aparatos. El dibujo mecánico se emplea generalmente en planos de trabajo con la finalidad de detallar los componentes de máquinas industriales o artefactos. Tiene un fin descriptivo y por ello recurre a la réplica para poder alcanzar una ilustración precisa y lo más realista posible de los componentes.

11.5. Dibujo arquitectónico:

Se enfoca en representar las obras de arquitectura. Es un tipo de dibujo importante ya que debe tener en cuenta la medición y medios que puedan ayudar a la posterior elaboración de las obras que representa. Quien realiza un dibujo arquitectónico debe disponer de una clara visión de los espacios, la infraestructura, la ubicación y los detalles. Para ello se recurre a la técnica de la escala, con la cual representa los objetos en reducción para que luego sean producidos en su escala real.

12.6. Dibujo animado:

Principalmente, son dibujos realizados como secuencias visuales en dos dimensiones. Su realización requiere un delicado proceso en el que se dibuja escenas en fotogramas con los que se va componiendo una animación final en movimiento. En los inicios de este tipo de dibujo, se desarrolló la técnica de 2D (dos dimensiones), pero actualmente podemos encontrar obras en 3D, 4D y 5D, posibles gracias a los avances en digitalización.

12.7. Dibujo a mano alzada:

Ese tipo de dibujo hace referencia a su técnica de elaboración. Como herramientas solo suele requerir lápiz y papel, con los que se pueden realizar diversos efectos de luminosidad, claridad, profundidad. Sin embargo, aunque parece sencillo, al no hacer uso de otros elementos como reglas o compás, requiere de un gran dominio de algunas técnicas: saber dibujar correctamente las líneas sin perder el pulso, hacer figuras en formas de círculos y arcos, aplicar la técnica de curvas ovaladas, entre otras.

13. La importancia del dibujo para el ser humano

Vemos como toda la larga historia del dibujo es también una parte crucial de la historia de la modernidad. En su desarrollo se ha ido recurriendo a diversas técnicas y formatos que van desde los medios tradicionales como el lienzo o el papel, hasta los actuales dispositivos digitales. Hablar del dibujo y sus transformaciones, es hablar de la historia del ser humano.

El dibujo es un arte adaptativo, que ha ido cambiando según las épocas, culturas y el estilo que cada artista impregna en sus obras. Es también una forma especial de expresar los sentimientos e ideas del artista. Eso implica que pasó de tener un uso netamente funcional, de comunicación, a tener un significado más estético y profundo, por ello ahora el dibujo sigue siendo una manera de expresar lo que sentimos, lo que deseamos y es una muestra de la gran capacidad de creación humana.

Por eso podemos resaltar que el gran impacto que el dibujo ha tenido en nuestras vidas se sigue manifestando y se puede reflejar en algunos aspectos principales:

13.1. La libertad de pensamiento y expresión.

El ser humano tiene libertad de pensamiento y de expresión, es un derecho indiscutible. Sin embargo, todo esto se mantiene en abstracto sin un soporte que refleje cuan necesario es para nosotros el sentir y darle una existencia a lo que sentimos y pensamos. En ese sentido el dibujo nos ha abierto la puerta a una serie de artes que, en cada distinta época, nos permitieron y permiten trascender el tiempo y seguir dándole existencia a nuestras creencias y emociones. Sin ese sustento, gran parte de nuestra forma de vida, nuestras ideas y nuestra razón de ser quedarían en el olvido. Sin el dibujo no hubiese sido posible conocer parte del pasado, resguardar el presente y proyectar un futuro posible

13.2. Tener claridad en la comunicación.

Como dijimos, sabemos que el ser humano tiene la capacidad de pensar y sentir. Pero es necesario construir un modo común y entendible de expresión que nos permita darnos a entender y entender a otros. En ese intento de crear un lenguaje común, el dibujo se convierte en una de las primeras formas de expresión palpable del pensamiento y la imaginación. La representación gráfica y codificación del arte en trazos, se convierte en una realidad, en un objeto transmisible que permite la permanencia, dejar un legado histórico casi inmortal que perdura en el tiempo y es entendible y resignificable por cada generación.

13.3. Impulsa la sensibilidad artística.

El dibujo puede ser considerado el punto de partida de toda expresión artística y sobre todo del lado artístico del ser humano. Con el paso del tiempo, ha sido posible desarrollar una gran sensibilidad artística para poder interpretar o reinterpretar antiguas obras de la historia humana. Desde los primeros registros pictóricos, hasta los más modernos proyectos digitales, el dibujo ha capturado y es el fiel reflejo de una parte esencial de nuestras emociones y anhelos. Es por ello por lo que es posible conmoverse profundamente al ver alguna obra o distinguir entre aquellas que tienen un impacto y significado más profundo en nuestras vidas. 

13.4. Promueve la invención y la imaginación.

El dibujo es una de esas bellas artes que inspira profundamente a las personas. Gracias a este arte, el ser humano ha podido imaginar algo increíble y dejar un registro de aquello que podía parecer imposible. Muchas de estas obras que comenzaron en la mente de algún artista, luego han inspirado a su materialización en las obras más increíbles e importantes de la historia. El ser humano es capaz de imaginar cosas inimaginables, por eso el dibujo es una fuente de inspiración inagotable, que se renueva constantemente y nos sorprende. Se podría decir que el mundo que tenemos ahora fue producto del dibujo de artista que imagino que esto era posible.

Por ejemplo, algunos artistas han plasmado en sus lienzos lo que ellos viven. Una de ellas es Frida Kahlo, quien plasmaba sus dolores físicos y emociones en sus pinturas. Así como ella, hay varios ilustradores que plasman su vida, sus emociones, y su manera de ver el mundo.